Una diversa interpretazione delle Demoiselles d’Avignon

“Le demoiselles d'Avignon” olio su tela di 2,45 m. per 2,35 del 1907,
esposto a New York, al MoMA è uno dei dipinti più famosi di Picasso.
Indagato, analizzato, criticato e di recente anche osservato ai raggi X l’opera ci racconta di come l’artista abbia avuto nel corso dell’elaborazione dei ripensamenti che condussero Picasso a rappresentare l'opera privandola di alcuni precedenti riferimenti simbolici.
L'opera prevedeva infatti di rappresentare anche uno studente con un pacchetto sotto il braccio ed un uomo al centro con un teschio in mano. Tutto ciò mirava forse a richiamare il tema della morte e la permanenza dell’elemento frutta starebbe a confermarlo.
Una delle interpretazioni più diffuse parte dalla osservazione che la semplificazione dei volumi dei corpi si estenda poi allo spazio circostante, che viene scomposto secondo una serie di piani per cui le figure femminili appaiono come compenetrate dallo spazio.
Ciò porta ad annullare quella tradizionale differenza tra contenitore – lo spazio- e contenuto – le figure – che fino ad allora aveva caratterizzato le opere pittoriche.
I volti di alcune figure sono come coperti da maschere, iberiche e africane. Questo accostarsi di concetti diversi, porta l’osservatore a provare un senso di sconcerto e dissonanza, sensazione provarono anche i primi osservatori dell'opera, gli amici di Picasso, che si dichiararono subito turbati da quell'opera di Pablo, se non addirittura offesi.
Forse per questa reazione, per molto tempo il quadro venne offerto alla visione di pochi e nel solo nel 1937 esposta al pubblico nell’esposizione di Parigi al Petit Palais.

Tate Modern: Paul Klee

La mostra del Tate Modern di Londra rende omaggio ad uno degli artisti più interessanti ed enigmatici del ‘900: Paul Klee

Il colore ed io siamo la stessa cosa amava dire l'artista Paul Klee (1879-1940), che giovanissimo seguì i corsi di un altro artista dal carattere straordinario come Von Stuck.
Klee prese ispirazione anche dalle mete dei suoi viaggi. Viaggiò anche in Iitalia, che di recente ha dedicato all'artista una mostra a Roma che ha esplorato proprio il suo rapporto con la nostra nazione.
Klee, nei suoi Diari, fonte di preziose notizie sul suo modo di pensare e concepire l'arte, esprime i numerosi dubbi nutriti sulla strada da seguire. Era infatti un violinista, figlio di due musicisti e marito poi di una pianista. Tuttavia la pittura ebbe la meglio. Fece inizialmente parte del movimento chiamato Il cavaliere azzurro- dove ebbe modo di consolidare l'amicizia con Marc e Kandinskij. Ma Klee è anche un amante della filosofia, della poesia ed un abile scrittore. Del 1920 è “La confessione creatrice” dove Klee afferma che l'arte non ripete le cose visibili, ma rende visibile. Proprio a questa frase è ispirata la mostra londinese, che già si rivela come una delle più interessanti del 2014.

È in mostra “La ragazza con l'orecchino di perla” di Vermeer

La ragazza con l'orecchino di perla Quando un attore ha un viso particolare, adatto al cinema, si dice in gergo che buca lo schermo. La sua presenza all'interno di un cast farà sì che il film avrà successo. Qualcosa di analogo succede oggi alle opere d'arte, e quando si organizza una mostra adesso si tiene conto del dipinto che “buca” per la sua potenza espressiva e, soprattutto, per la sua capacità di diventare una icona.
È il caso della Ragazza con il turbante di Vermeer, o meglio, La ragazza con l'orecchino di perla come è stato ribattezzato il dipinto grazie ad un film di recente produzione, ispirato al romanzo omonimo del 1999 di T. Chevalier, che vedeva la figura dell'artista Vermeer protagonista di una storia immaginata, in cui la ragazza ritratta aveva un ruolo centrale.
La luminosa perla del suo orecchino cattura la luce ed attira l'attenzione dell'osservatore costringendolo a riflettere sul fatto che la semplice ragazza, il cui viso è luminoso come quella perla, i cui lineamenti sono perfetti e adatti a ricevere un gioiello così prezioso, non poteva certo possedere un simile gioiello, che all'epoca era destinato ad una signora d'alto rango….
Dunque si tratta di un oggetto che se pure adatto alla sua innocente bellezza, lei in quel momento indossa per caso, come se il pittore le avesse consentito di indossarlo appositamente per ritrarla.

Il dipinto, ormai celebre, sarà oggetto di una mostra a Bologna dal 2 Febbraio 2014, e c'è da aspettarsi un gran successo di pubblico visto il recente interesse manifestato nei confronti di questo dipinto di piccole dimensioni ma di immensa intensità espressiva.

L'arte racconta il corpo

Premessa
Per fare brevemente il punto sulla rappresentazione del corpo nell'arte, si farà riferimento alla rappresentazione del corpo nudo, per capire come l'uomo abbia nel corso del tempo rappresentato se stesso, senza guardare a tutti quegli elementi che di volta in volta lo hanno identificato attraverso orpelli o attributi aggiunti al suo puro essere naturale.
Le rappresentazioni messe in atto dagli artisti possono essere viste sia come un riflesso diretto della percezione del sé sia come riflesso di ciò che il nostro corpo è per gli altri, analizzare il percorso da loro compiuto significa quindi poter costruire una mappa della percezione del sé e degli altri nella storia.
L'arte che racconta il corpo vuol essere quindi, un invito a comprendere come questo processo generativo di immagini si sia evoluto ed in che modo gli artisti abbiano saputo tradurre nelle loro opere i segnali dei mutamenti che hanno, nei secoli, riguardato la rappresentazione del corpo umano.
Si tenterà di pervenire ad una analisi iconologica delle opere che vada come afferma O. Calabrese- nel “Il linguaggio dell'Arte” Bompiani. “dall'identificazione del soggetto a una lettura dell'opera che lega quest'ultima alla complessità della cultura e degli atteggiamenti mentali dell'epoca in cui essa è stata composta”.

Francesco Borromini

(Bissone, 27 settembre 1599 – Roma, 3 agosto 1667)

Borromini. L'architettura che sussurra

Se l'architettura avesse voce, potremmo dire che quella di Francesco Borromini sussurra. È un sussurro che che scaturisce dal profondo, capace di colpire la nostra attenzione più di un grido, perchè ci coinvolge per l'armonia spaziale che percepiamo dal sapiente gioco delle forme. Oggi viviamo un tempo diverso, tutto è più veloce e anche l'architettura si è come adeguata a questi ritmi frenetici. L'architettura di Borromini ci insegna che c'è stato un tempo diverso, un modo diverso di concepire gli spazi, che dovevano essere fruiti attraverso un osservare lento e attento, disponibile a recepire la bellezza.
Una bellezza inebriante, quella delle architetture borrominiane, compatibili con il gusto del tempo certo, ma intessute di un sapere antico. L'amore per le forme geometriche e per i loro reciproci rapporti, è magistralmente espresso in quel meditato calcolo, che si esprime in ogni sua opera.

Tre filosofi in cerca d'autore

Quando nell'ambito dello studio della storia dell'arte ci si imbatte nell'opera di Giorgione dal titolo “I tre filosofi” del 1508, nessuno può evitare di riflettere sul significato dei tre personaggi principali, per cui è quasi impossibile evitare di fare delle ipotesi, e, ciascuno di noi, diviene autore sposando ipotesi già fatte o tentando di farne delle nuove. Questo è senza dubbio un atteggiamento positivo nei confronti dell'opera d'arte, perchè riflettere sul significato di un'opera è certamente determinante per apprezzarne quelle qualità, che nel caso specifico vanno certamente oltre quelle della evidente bellezza e perfezione del dipinto.